【乃木坂】作曲家がお気持ち表明‼なぜ若手作曲家は乃木坂46の楽曲コンペから離れていくのか？【是非に及ばず】

『是非に及ばず』酷評騒動が浮かび上がらせた業界の歪み

一ノ瀬美空が待望のセンターを務めた楽曲『是非に及ばず』。夏曲にもかかわらず夏らしさが感じられないとして、ファンから厳しい評価が相次ぎました。SNS上の反応を受けて、作曲を手がけたクリエイター自身が傷ついた心境を明かしたことも話題となりました。

楽曲は、世に出たあとは皆さんのものです。どうぞ好きに考察も批判もしてください。むしろ、そうしてもらえたら嬉しいくらいです。…

— 成瀬英樹 you-me (@h_naruse) June 25, 2026

「商業作曲家なら印税が入るだけで満足すべき」という意見もありますが、その一方で気になる噂が業界内で流れています。最近、若手作曲家が乃木坂46の楽曲コンペに応募しなくなっているというのです。

本記事では、この現象の背景にある構造的な問題を、コンペシステムそのものの課題と、ボーカル表現の制約という2つの軸から掘り下げ、JYPエンターテインメントなどの制作スタンスとの対比を通じて、日本のアイドル楽曲制作が抱える本質的な課題を解説します。

第1部：「コンペ」という仕組み自体が抱える構造的な問題

1-1. 費用対効果（タイパ）の悪さという致命的な壁

坂道シリーズの楽曲コンペは、日本でも最激戦区のひとつとして知られています。1曲の採用枠に対して、数百曲、時には1,000曲を超えるデモテープが集まるとも言われる世界です。

ここで問題になるのが制作コストの重さです。現代のコンペでは、ギターやピアノでのシンプルな弾き語りデモではまず通過できません。プロレベルのアレンジを施し、仮歌をシンガーに外注して、ほぼ完成形に近いクオリティへ仕上げる必要があります。これには数日から数週間の時間と、数万円規模の実費がかかると言われています。

それだけのコストをかけても、不採用なら報酬はゼロ。このハイリスク・ローリターンな構造に疲弊し、コンペそのものから撤退していく若手クリエイターが増えているのです。

1-2. インディーズ・SNS市場の台頭という「第三の道」

ここ数年で音楽シーンの勢力図は大きく変わりました。かつては「有名アイドルへの楽曲提供」が若手作曲家の成功への近道でしたが、現在は状況が一変しています。

ボカロP活動、歌い手やVTuberへの楽曲提供、あるいは自身のシンガーソングライターとしてTikTok・YouTube・Spotifyなどで直接発信する道のほうが、コンペを勝ち抜くよりも「打率」が高く、ファンと収益を直接獲得しやすい時代になりました。

加えて、メジャーコンペで採用されても、作詞（多くは秋元康氏）やアレンジャー、事務所との取り分調整によって作曲者本人の収益は細分化されがちです。一方、ネット発の活動はプラットフォームから直接収益を得やすいため、若手がそちらに流れるのは自然な選択といえるでしょう。

1-3. 「坂道らしさ」というブランド要求がクリエイティビティを縛る

乃木坂46には「切ないメロディ」「ピアノやストリングスを多用した王道J-POP」といった長年培われたブランドイメージがあります。コンペでも「乃木坂っぽい曲」が求められる傾向が強く、若手クリエイターが自身の最先端の音楽性や尖ったサウンドを試す場にはなりにくいという側面があります。

オリジナリティを発揮したい若手ほど、型にはまったコンペよりも自由度の高いK-POPコンペやネットカルチャーへ向かう傾向が見られます。

1-4. 「コライト」文化への対応の遅れ

海外ポップスやK-POPでは、複数のクリエイターが「メロディ担当」「トラック担当」「トップライン担当」のように分業する**コライト（共同制作）**が主流となり、効率的かつ高品質な楽曲制作を実現しています。

日本のアイドルコンペでもコライトは増加傾向にあるものの、「1人の作家がデモを丸抱えで作る」という従来型のスタイルが根強く残っています。これが海外基準の制作スピードや手法に慣れた若い世代にとって、参入障壁になっているとの指摘もあります。

第2部：ボーカル表現の制約という、もう一つの大きな壁

2-1. 音域の厳格な縛りが生むメロディの平坦化

大所帯アイドルグループでは、メンバー間の歌唱力や音域のばらつきを考慮し、全員もしくは選抜メンバーがユニゾンで歌える音域に収める必要があります。コンペの募集要項には「最高音はhiCまで」「最低音はmid1Gまで」といった具体的な音域指定が設けられることが一般的です。

しかし、現代のネット発音楽（ボカロ系）や実力派ソロアーティスト、K-POPでは2オクターブを超える広い音域を駆使したダイナミックなメロディがトレンドとなっています。若手クリエイターが「今っぽい」と感じるメロディラインを作ろうとしても、この音域制限の枠内に収めようとすると、どこかで聴いたことのあるような平坦な仕上がりになりがちです。

2-2. 転調・複雑なメロディの回避という安全策

音域の狭さに加え、ピッチの跳躍が激しいメロディや転調の多い楽曲は、ライブでの歌唱難易度が上がります。結果として、コンペ通過には「歌いやすく、キャッチーで、音域が平易な曲」という安全策が求められる傾向にあります。自身のスキルや新規性を試したい若手作家にとって、この「歌いやすさへの配慮」が制作モチベーションを削ぐ要因となっています。

2-3. K-POPとの対比に見る役割分担の有無

K-POPのグローバル市場では、グループ内に「メインボーカル」「リードボーカル」といった明確な役割分担があり、高音パートや難しいフェイクは歌唱力の高いメンバーが担当する前提で楽曲が制作されます。

一方、日本のアイドルコンペは「全員が歌えること」が前提になりがちなため、どうしてもメロディのスケール感が小さくなりやすいという構造的な差があります。

2-4. ユニゾン前提という表現の限界

大人数でのコーラスやユニゾンが基本となるため、個々がエッジを効かせたりベンドで音を揺らしたりすると、全体のピッチやニュアンスがばらつき、合唱として成立しなくなります。そのため「全員がまっすぐ平坦に歌うこと」がディレクション上求められがちです。

クリエイターが「ここはエッジを入れて切なさを強調したい」と意図してデモを作っても、最終的な仕上がりではそのエッセンスが削ぎ落とされ、記号的な歌声になってしまうというジレンマが存在します。

2-5. 「生々しさ」を避けるブランディングの影響

乃木坂46の持つ透明感・清楚・上品といったイメージにおいて、過度なエッジボイスやアーバンな歌唱テクニックは「生々しさ」「泥臭さ」として、グループの世界観に合わないと判断されることがあります。求められるのは感情を爆発させる歌唱ではなく、抑制された表現です。これにより、ボーカルのニュアンスで楽曲をドライブさせるアプローチが難しくなります。

2-6. ボーカルエフェクトの制限

ボカロP出身やLA・韓国のトレンドを追う若手作家は、ボーカルを楽器の一部として捉え、オートチューンやフォルマント加工、サンプリングを好む傾向があります。しかし日本の伝統的なアイドルシーンでは「メンバーの生の声を聴きたい」というファン需要が強く、過度なエフェクト加工が敬遠されがちです。今風の融合を目指す若手にとって、この縛りも大きな制約となっています。

第3部：JYP（NiziU）が示す対照的なクリエイティブ環境

3-1. 「お蔵入り」レベルの楽曲がそのまま採用される世界

NiziUの人気曲「Love & Like」は、作曲者のALYSA氏自身が「難しすぎて誰も歌えない、お蔵入りかも」と思っていたほどの楽曲でした。それがそのまま採用され、フェスの定番曲となった事実は、日本のアイドルコンペとの決定的な違いを象徴しています。

JYPの楽曲選定では「歌いやすいかどうか」ではなく「クオリティとして最先端でカッコいいか」が最優先されます。作曲家自身が「攻めすぎた」と感じるレベルのデモでも、制作陣が判断すれば採用される土壌があるのです。

正直Love&Likeは多分今まで書いてきた中で1.2を争う難しさです😂出来に満足したものの、本当に難しすぎて歌える方がいないのではと、お蔵入り覚悟でした。笑
NiziUさん本当すごいなあ。と思わされる初夏…🙌🔥@NiziU__official #NiziU #NiziU_2nd_Album

— ALYSA (@alysa_music) July 5, 2023

3-2. 「曲にメンバーを合わせる」という育成思想

ここで重要なのは「全員がユニゾンで歌えるレベルに曲を下げる」のではなく、「難しい曲を歌いこなせるようメンバーをトレーニングする」、あるいは「超高音やラップが得意なメンバーにその部分を割り振る」というアーティスト目線の制作思想です。

クリエイター側からすれば、自分のやりたい複雑な展開や高度なニュアンスを詰め込んだ楽曲が、お蔵入りになることなく「表現力と技術によって120%の形に仕上げてもらえる」環境であり、これは大きな魅力といえます

第4部：難解な楽曲を歌いこなすトップボーカルたちのスキル比較

ここでは、複雑な楽曲を表現力豊かに歌いこなす代表的なK-POPボーカリストを紹介し、日本のアイドルコンペの制約と対比してみます。

リリー（NMIXX）：圧倒的ソウルフル・ハイノートヒロイン

オーストラリア出身らしい骨太な声量と、どこまでも伸びるハイトーンが武器。エッジボイスやフェイク、細かい音符のランなど現代ポップスに必要な技巧を完璧に使いこなし、NMIXXの実験的な急激な転調や難解なメロディを圧倒的なピッチの正確性で成立させます。

ヘウォン（NMIXX）：変幻自在のオールラウンダー

シルキーな声質ながら芯が強く、中音域から高音域への移行が非常にスムーズ。ニュアンス（表情）の付け方が天才的で、エッジやウィスパー、ベンドを駆使し、楽曲に大人の色気やストリートなグルーヴを吹き込む器用さを持っています。

アヒョン（BABYMONSTER）：憑依型エモーショナル・パワーハウス

太くハスキーで感情的な声質。高音でも声が細くならず、叫びに近いエネルギーを保ったまま歌い上げる地声のパワーが特徴です。ラップスキルも一級品で、ベントやしゃくりを混ぜながら1曲の中にドラマを作り出します。

ニナ（NiziU）：スタジアム級のクリア・ブライトハイトーン

濁りのないクリスタルクリアなハイトーンが最大の特徴。NiziUの楽曲のクライマックスで一撃で世界観をひっくり返すラストサビの高音フェイクが代名詞で、J-POP的な美しさと洋楽的なスケール感をハイブリッドに持ち合わせています。

第5部：トップボーカルの強みと乃木坂コンペの制約、4つの対比

観点	K-POPボーカルの強み	乃木坂コンペの制約
音域	リリーのような3オクターブを行き来する自由なメロディ設計	全員ユニゾン前提の狭い音域（1オクターブ半程度）への修正が必須
ニュアンス	ヘウォンのようなエッジ・ベンドを活かした緻密な表現設計	平坦な合唱が前提で、ニュアンスの細部がリセットされる
アタック（エネルギー）	アヒョンのような強いアタックを活かした尖ったジャンル展開	透明感・清楚というブランドイメージにより抑制される
仕掛け	ニナのような一人への超高音パート集中による楽曲のドラマ性	均一な調和が優先され、特定メンバーへの割り振り自体が避けられがち

優秀な若手クリエイターほど「自分の作家性を引き出してくれる場所」を選ぶのは、ごく自然な心理といえるでしょう。

まとめ：日本のアイドル楽曲制作が今後向き合うべき課題

乃木坂46の楽曲コンペから若手作曲家が離れていく現象は、単なる一過性の話題ではなく、

• コンペという仕組み自体の費用対効果の低さ
• インディーズ・SNS市場という新しい収益ルートの台頭
• ブランドイメージによるクリエイティビティの硬直化
• コライト文化への対応の遅れ
• 音域・ニュアンス・表現の自由度における構造的な制約

という、複数の要因が重なり合った結果といえます。K-POP、特にJYPのようにアーティストの育成思想とクリエイターの自由度を両立させる制作体制は、今後日本のアイドル楽曲制作が参考にすべきモデルのひとつかもしれません。

『是非に及ばず』への酷評をきっかけに浮き上がったこの構造的な課題は、今後の坂道シリーズ、そして日本のアイドル音楽業界全体の楽曲制作のあり方を見直すきっかけになる可能性を秘めています。

いつも応援ありがとうございます。

乃木坂46「歩道橋」聴いて下さった皆さん、ありがとうございます。

嬉しいお言葉も厳しいディスのお言葉もちゃんと受け止めてまた次の挑戦をしていきます。

表題曲が世に出るたびに、ファンの皆さんの「推し」への愛の深さを感じます。…

— 杉山勝彦｜作曲家 (@sugisansugisan) November 10, 2024

引用元：https://talk.jp/boards/nogizaka/1782557232

若手はコンペに参加しないらしい